“Ocho años después de haberse estrenado en salas españolas esa maravilla llamada Donnie Darko,  tan desapercibida entre los “no entendidos” del séptimo arte, nos llega el nuevo trabajo del director y escritor Richard Kelly.

Tras habérsela pegado bien fuerte con Southland Tales en 2006 (película inédita en nuestro país), vuelve a la carga con una propuesta aparentemente mucho más comercial que sus anteriores películas: The Box (“La caja”), thriller protagonizado por Cameron Diaz, James Marsden y Frank Langella, basado en el relato corto de Richard Matheson publicado en 1970, y titulado “Button, Button” (“Botón, botón”), inspirado a su vez en otro cuento, de Isaac Asimov, y que curiosamente se titulaba de la misma forma.

A principios de octubre de 1959, empezaba su emisión en la cadena norteamericana CBS una peculiar serie de televisión: The Twilight Zone, La dimensión desconocida. Durante prácticamente un lustro, la fantasía, el terror y la ciencia ficción embelesaron a las audiencias estadounidenses con sus 156 episodios. El éxito fue tal que en 1985 empezó un revival que duraría 65 capítulos más. 

El 7 de marzo de 1986 se estrenó un capítulo basado en el relato de Matheson, ambientado en la actualidad de la época. La televisión fue, sin duda, el medio ideal para estrenar esta adaptación. Y el estilo de The Twilight Zone, algo retro y con un halo de misterio muy particular, dotaron a ese episodio del tono adecuado.

Con la adaptación cinematográfica sobre la mesa (o dentro del proyector), uno no sabe cómo reaccionar inmediatamente ante lo visto en pantalla.

La premisa de la historia es bien simple: Una mujer recibe a un hombre misterioso en casa, el cual le deja una caja con un botón en su parte superior. El hombre le dice que si presiona dicho botón, alguien a quien no conoce morirá y, a cambio, recibirá un millón de dólares al día siguiente, que él mismo se lo entregaría en mano.

La sensación que me ha dado The Box durante toda la proyección ha sido de querer y poder, pero no llegar. Richard Kelly es un director eficiente y con estilo propio, como muy bien nos demostró con Donnie Darko. Cuando quiere crear un determinado tipo de atmósfera, la crea, y resuelve las secuencias rodándolas con una elegancia simple e impecable.

En The Box, Kelly trata de recrear lo mismo. Sabe crear un clímax. Lo crea y le da forma, pero no fondo, como si él y la propia película estuvieran demasiado acomplejados por la naturaleza de la historia: The Twilight Zone, la serie B, lo retro, un tono en concreto. Pero no encuentra su lugar y se lía a la hora de tratar con el género. Las pretensiones le pueden. El problema ya no son los complejos, sino cómo tomarse la esencia de la historia. Y Kelly se la toma demasiado en serio, creando unas situaciones presuntamente inquietantes que terminan cayendo en el más absoluto de los ridículos, al más puro estilo del peor M. Night Shyamalan.

El resultado es una película que no funciona ni siquiera en su interesante carga metafórica. Desde luego, Kelly sabe captar la atención y, al menos, entretiene algo. Arriesga alejándose del típico blockbuster, e incluso tiene algunos aciertos completamente aislados, pero patina en lo que ya he mencionado arriba.

El reparto apenas ayuda. James Marsden no logra captar la atención en ningún momento, ni siquiera en las escenas más dramáticas; mientras que la dudosa capacidad de Cameron Diaz (y su operadísima cara) para el drama hace estragos en todas y cada una de las secuencias que protagoniza, incluidas las más delicadas, forzándonos a preguntarnos si el director de casting estaba realmente sobrio cuando le tocaba trabajar.

Frank Langella es el único miembro del reparto que, apenas sin mover una ceja, consigue llenar la pantalla y hacernos olvidar, por un momento, el despropósito quimérico que sucede ante nuestras narices.

Si pulsando el botón de la caja se detuviera la proyección, en lugar de darnos el millón de dólares del film, yo sin duda lo apretaría. A pesar de las consecuencias.”

Gracias a Rafa Delgado por su crítica: http://www.cinefilo.es/criticas-cine/the-box-richard-kelly/7474/

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.notasdecine.es/17244/criticas/critica-the-box/

http://www.cinematical.es/2009/11/06/critica-the-box/

http://www.lacasadeloshorrores.com/2009/11/critica-de-box-por-john-blutarsky.html

Ana dice: La idea me parece muy original, al igual que me pasó con Una proposición indecente, pero en ambos casos me dio coraje el hecho de que con una base tan buena después la echaran a perder por no haber sabido elegir bien a los actores/actrices y por el desarrollo que le da a la película.

La idea, como ya digo, es buena: qué eres capaz de hacer por dinero, y, si lo haces, las consecuencias que conlleva, pero repito que esta misma idea la tiene otro director (o eligen a otro) y la historia podría ser muy pero que muy buena.

En definitiva, otra paranoia de su director, Richar Kelly, al igual que lo fue Donnie Darko, sólo que ésta última es una gran película.

“No es fácil una película como Anticristo, y tampoco lo es hablar de ella. Lars von Trier es un cineasta que no puede permitirse el lujo de dejar indiferente al público, y por ello siempre presenta unas propuestas extremas tanto en su construcción formal como en las situaciones en las que pone a los personajes. Autor ineludible para algunos, impostor para otros, lo cierto es que el cine del danés siempre tiene la capacidad de no ser fácilmente olvidable.

Anticristo está lejos de ser una excepción a esa última afirmación. Estamos ante un ejercicio de exorcismo de los demonios internos del realizador, que se sitúa en una onda completamente distinta a la de su anterior película, la malvada comedia El jefe de todo esto. En esta ocasión, el director se nutre de los postulados del cine de terror para construir un ambiente malsano e inquietante, aunque no estamos ni mucho menos ante un ejercicio puro de género. Von Trier también se fija en el Bergman más centrado en la desintegración de la relación de pareja, el de Secretos de un matrimonio o su secuela Saraband.

Apoyándose en dos actores poco temerosos ante un ejercicio de interpretación extremadamente arriesgado (y del que salen brillantemente airosos), Von Trier llena su película de una simbología mística y religiosa ciertamente extraña, y que puede resultar de una misoginia cruel. Sin embargo, no es eso lo que queda en el recuerdo del espectador, sino una serie de momentos cargados de una violencia poco escrupulosa y de índole sexual. La película pretende ir un paso más allá, estableciendo nuevos límites para el contenido de las imágenes en el cine convencional.

Sinceramente, no sabría ni podría darles una opinión especialmente favorable ni negativa respecto a Anticristo. Hay instantes donde el talento del director sale a relucir (el hipnótico prólogo), además de una cierta ironía algo difícil de hallar (no puede ser del todo serio que los capítulos se llamen Pena, Dolor y Desesperación). Sin embargo, la provocación no encuentra un apoyo sólido en la posible significación de la trama, por momentos algo risible en su dualidad sobre la bondad/maldad de la naturaleza (de la mujer). Anticristo no cae, como Dogville o Europa, del lado de las obras maestras, pero al menos me la creí más que Bailar en la oscuridad. En cualquier caso, cuando alguien hace una propuesta tan extrema como esta, mi opinión incondicional es que hay que ir a verla.”

Gracias a Antonio Gandiaga por su crítica: http://www.notasdecine.es/12589/criticas/critica-anticristo/

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.tomacine.com/index.php?option=com_content&task=view&id=1019&Itemid=97

http://axxon.com.ar/noticias/2009/08/critica-a-la-nueva-pelicula-de-lars-von-trier-anticristo/

http://www.muchocine.net/criticas/10489/Anticristo

Ana dice: Bueno….yo no soy la indicada para hablar de esta película porque soy muy fan de Lars von Trier, he visto casi todas sus películas…si hasta lo he estado defendiendo entre mis amigos por lo que dijo sobre el nazismo!!!!!

Es una película llena de simbolismo donde ellos representarían a Adán y Eva en el paraíso y que, por extensión, ella es la representación del mal.

Bien lejos ha quedado su director del movimiento Dogma del que tan abanderado era….el voto número 10 (El director no debe aparecer en los títulos de crédito), por ejemplo, se lo ha saltado a la pìola….aunque hace mucho tiempo que lo hace….

A tener en cuenta (por si piensan verla con menores o son delicados con según qué escenas) que contiene escenas de sexo explícito del tipo de Los idiotas, que yo recuerdo haberla visto de jovencita en el cine y se me pusieron los ojos como platos

“Un biopic sin alma. Amelia Earhart se merecía una cinta hecha con más pasión y entusiasmo que la que nos termina brindando la directora india Mira Nair.

La cineasta desaprovecha la ocasión de regalarnos una historia emotiva y repleta de heroísmo. Por el contrario, el espíritu aventurero apenas se despliega en pantalla de manera titubeante y sin la energía necesaria como para lograr la implicación emocional del espectador.

La trama sigue de cerca a Amelia Earhart, una aviadora famosa que terminó perdiéndose en el peligroso intento de dar la vuelta al mundo.

Esta película biográfica se detiene en la personalidad de la piloto, una persona que no soportaba tener los pies sobre la tierra ya que en el aire se sentía como en su casa. Una mujer emprendedora y temeraria, quien extrañamente se sentía segura piloteando un avión y no en tierra firme. Y es ese intento de desafiar lo imposible y de volar lo más lejos que se pueda sin echarse atrás por los riesgos lo que la llevó a convertirse en una heroína que logró marcas envidiables.

La recreación de época está correctamente lograda, aunque tampoco hay nada del otro mundo desde los aspectos técnicos como para destacarlo demasiado.

La vida sentimental de Amelia tampoco está plasmada con la suficiente sutileza como para llegar a la fibra interior de la platea.

Tampoco hay nada notorio en las interpretaciones, las cuales apenas cumplen con las exigencias de un guión insípido que no alcanza nunca a ablandar en los pasajes de conflictos sentimentales ni a estremecer en los fragmentos en donde los desafíos aventureros se apoderan de la pantalla.

“Amelia” es una cinta biográfica desarrollada sin espíritu en sus alternativas. Es un filme muy desaprovechado dado el potencial que poseía la heroína homenajeada. La misma se merecía un filme épico más emotivo y animado.”

Gracias a Betomovies por su crítica: http://www.imdb.es/title/tt1129445/reviews

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.notasdecine.es/17920/criticas/critica-amelia/

http://www.cinematical.es/2009/11/16/critica-amelia/

http://www.cine.fanzinedigital.com/5603_1-Amelia.html

Ana dice: Ésta es una de esas películas que son muy famosas en Estados Unidos y que muchas, incluso, van a los Óscars, que van sobre iconos o historias o deportes, etc, etc, etc puramente americanos muy populares allí y que el resto del mundo o no lo conocemos o, simplemente, nos la trae al pairo. Ejemplo de esto sería “Un sueño posible” (The blind side) con Sandra Bullock, que iba de un jugador de fútbol americano y se centra en ese juego que a nosotros ni nos va ni nos viene….y a la susodicha hasta le dieron un Óscar!!!!!

Pues lo mismo pasa con Amelia: que allí será super-archi-mega conocida, pero aquí….quién es Amelia Earhart????

No me interesa la película.

“El hecho fue descubierto a poco de nacer el cine y en ello seguimos, pese a advertirse signos de cansancio: la sobreexposición mediática de una estrella de Hollywood es sumamente rentable para su condición como tal y para la economía de los grandes estudios que producen y/o distribuyen las cintas que protagoniza. ¿Cuántas películas hemos visto porque en ellas aparecían actores o actrices con quienes la promoción y el cotilleo nos han familiarizado? ¿Hasta qué punto no distorsiona nuestro conocimiento del cine la sumisión a esos astros artificiales, a menudo estériles, que ensombrecen con su brillo el de otras muchas películas que jamás podremos ver al carecer su producción de armas de difusión masiva similares?

Sin embargo, existe un riesgo secundario en esa dependencia de lo que un noble francés del siglo XVIII definió como “el repugnante afecto de la chusma”. No hay nada más volátil y mudable que la opinión mayoritaria. Quien se halla a todas horas expuesto al escrutinio de la prensa, es susceptible de caer en desgracia víctima de la misma arbitrariedad mediática que le elevó a los altares.

Es el caso de Tom Cruise, la estrella de cine más taquillera de Hollywood hasta la irrupción de Will Smith. Cruise ha pasado en apenas dos o tres años, a causa de algunos errores personales pero sobre todo por culpa del cuerpo social (necesitado para su correcto funcionamiento tanto de ídolos como de víctimas a las que despedazar), a ser un hazmerreír.

Objetivamente hablando, no son ni mucho menos preferibles películas como Top Gun, Rain Man o La Tapadera, que hicieron de Cruise un intocable, a Minority Report, Mission: Impossible III o Collateral, estrenadas cuando su estrella ha empezado a declinar. Como no son grandes películas, aviso a navegantes, Yo, Robot, Soy Leyenda, Hancock ni Siete almas. Pero unas y otras se ven sometidas a valoraciones caprichosas, ignorantes, que eluden lo esencial, a saber: que hablamos de productos comerciales facturados con profesionalidad, más o menos dignos, casi siempre con fecha de caducidad, que si van a aportar algo a la historia del cine será en casi todos los casos más por motivos de corte sociológico que artístico.

Valkiria no escapa a esa tipificación. Realizada por Bryan Singer, carne también de endiosamiento y posterior demonización con apenas seis largos previos en su haber (Public Access, Verano de Corrupción, Sospechosos Habituales, X-Men I y II, y Superman Returns), recrea de manera tan eficaz como poco memorable el fallido atentado contra Adolf Hitler que llevó a cabo el coronel Claus von Stauffenberg (Cruise) el 20 de julio de 1944.

Se habían rodado ya dos correctas producciones televisivas que describían los preparativos y consecuencias del intento de magnicidio: Plan para matar a Hitler (1990) y Operación Walkiria (2004). Sorprende por tanto que Cruise, Singer y los guionistas Nathan Alexander y Chris McQuarrie hayan insistido, secundados por un gran presupuesto, en el mismo registro enunciativo, que a estas alturas no tiene demasiado valor.

Todos los aspectos interpretativos y técnicos son, desde luego, impecables. Las fases del complot de Stauffenberg están muy bien explicadas, y se ven enriquecidas por un suspense que logra no ser artificioso, sino connatural a la peligrosa coyuntura histórica en que se desarrolla la acción. En este objetivo se desvela como elemento más creativo el montaje de John Ottman, cuya minuciosidad reminiscente de Walter Murch (La Conversación) y Ralph Kemplen (Chacal, 1973) va dotando a los más pequeños gestos de los personajes —una firma, la imposición de una medalla, un corte al afeitarse— de un peso casi ritual, en consonancia con el devenir trágico del complot. El plano más emocionante de Valkiria está relacionado con esta idea: Stauffenberg y los demás integrantes de la conspiración enarbolan a una los distintivos naranjas que les identifican como partícipes esperanzados en una aventura que desconocen (al contrario que el espectador) tendrá un resultado fatal.

También es reseñable el inteligente empleo dramático de las heridas que Stauffenberg sufrió en combate (el prólogo del film), que van siendo mostradas al espectador según el militar va implicándose más y más en los acontecimientos. Pero estos hallazgos no logran disipar lo ya reseñado, una sensación de déjà vu y adocenamiento que encuentra descorazonadora confirmación definitiva en el típico epílogo que nos informa con rótulos y fondo musical elegiaco sobre el destino de todos los protagonistas.

Valkiria queda reducida así a la condición de película divulgativa, que merecerá para bien o para mal más atención de la que merece porque su protagonista es Tom Cruise. Pero el tiempo terminará por poner, tanto al film como al actor, en el puesto que les corresponde. Que aventuramos no será demasiado destacado.”

Gracias a Diego Salgado por su crítica: http://www.cine.fanzinedigital.com/4192_1-Valkiria.html

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.notasdecine.es/2178/criticas/critica-valkiria/

http://www.cinefilo.es/criticas-cine/valkiria-critica-cine/2441/

http://www.cinefilo.es/criticas-cine/valkiria-critica-cine/2441/

Ana dice: En julio del 44 el coronel Claus von Stauffemberg introdujo una bomba en la sala donde Adolf Hitler iba a tener una sesión con varios altos mandos, en la Guarida del Lobo, en Rastenburg, el complejo que servía de Cuartel General del Führer en el este de Europa.
Por diversas razones, el atentado falló, Hitler sobrevivió a la explosión y los conjurados para asesinarle, derrocar el régimen nazi y pactar el fin de la guerra con los Aliados, fueron detenidos y ejecutados.

Éstos son los hechos y Valkiria, dirigida por Bryan Singer (Sospechosos habituales) y producida e interpretada por Tom Cruise (…ehmmm… Misión Imposible (e increíble)),pretende hacer un relato de lo ocurrido.

La ambientación es excelente hasta en detalles mínimos para el común de los espectadores, como el corte y color de la guerrera que llevaba el coronel, los frikis de la reconstrucción histórica respiraron felices. El trabajo de documentación es aceptable y se respeta el conjunto de los hechos ocurridos en ese turbulento verano.

Pero hay tres cosas que hacen que Valkiria no sea recordada, creo yo, en la historia del cine: Tom Cruise es un dudoso Stauffenberg, intentar meter suspense y acción en esta película es tarea poco menos que imposible y… hay una producción de 2004 para la televisión alemana, Operación Walkiria, muy superior en rigor histórico, credibilidad e interpretación.

Synger me dejó flipada en Sospechosos Habituales. En Valkiria, bueno, es correcto, pero sin alharacas.

Cruise despliega sus habituales tics, digamos, interpretativos, pero le falta profundidad y porte para ser un conde, coronel y militar prusiano de la vieja escuela, que pasa de la reticencia hacia los nazis a ser cautivado por la personalidad de Hitler y comprender, durante el transcurso de la guerra, la dimensión de la barbarie puesta en marcha por los seguidores de la esvástica, e intentar acabar con ella antes de que ellos acaben con Alemania.

Como en el caso de las películas sobre la Conferencia de Wansee, la versión alemana de 1984 es muy superior a la norteamericana de 2001, donde también actuaba Kenneth Brannagh.

Valkiria es interesante para un espectador poco informado de la historia, que aprecie el ritmo , a veces banal, del cine americano, con sus pinceladas maniqueas muy didácticas e imprescindibles para pensar y meditar sobre los entresijos del régimen nazi y sus seguidores. Y, terminada la película, pase a otra cosa y olvide lo que ha visto y prefiera recordar al Cruise de Top Gun y Misión Imposible

“Chico conoce a chica, chico se enamora de chica, dos horas de toma y daca para que terminen juntos, viviendo felices para siempre. Ese es el argumento característico de las películas de género romántico como la presente y lo que cabe esperar de todas y cada una de ellas. Sin embargo, y con temor de ser reprochado por terceros, hay quien ve en este film algo diferente, original, interesante… que podría hacer destacar esta producción del resto de sus compañeras de género. Si bien sigue las premisas básicas para conseguir una película ñoña al gusto de jóvenes muchachas que obligarán a sus parejas a acompañarlas al cine, puede que éstas consigan mantener los ojos abiertos con mayor facilidad de la acostumbrada en estas ocasiones.

En un primer momento, la historia de amor se deja a un lado, hasta parecer insignificante, y nos centraremos más en conocer a Burke, su pasado, sus motivaciones y sus oscuros pensamientos. Poco a poco se irá entremezclando el romance y el amor con la atractiva Eloise pero no todo serán paseos por la calle de la felicidad, cafés en la plaza de la esperanza ni besos bajo una lluvia de rosas. El efecto logrado en conjunto es el de una trama más profunda, centrada en un personaje concreto, con el que el espectador creará un lazo de empatía, pero que a su vez se complementa con la historia de amor que terminará de moldear el guión.

Un largometraje que mezcla 6 o 7 partes de lo que ya hemos visto en incontables ocasiones, con otras 3 o 4 de innovación que nos mantendrán despiertos durante las casi 2 horas de proyección que unas amarán y otros odiarán.”

Gracias a notedetengas por su crítica: http://notedetengas.es/critica-love-happens-de-brandon-camp/

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.notasdecine.es/20888/criticas/critica-love-happens/

http://www.cinematical.es/2009/12/30/critica-love-happens/

http://www.elmulticine.com/criticas2.php?orden=1935

Ana dice: Americanada previsible desde el primer momento (como todas las americanadas…) con Jennifer Aniston haciendo, como siempre, de Jennifer Aniston en el mismo tipo de papel estereotipado.

Posiblemente una actriz desaprovechada, al igual que Whoopi Goldberg, ya que cuando no hace de ella misma trabaja bien: ejemplos de esto serían el papel que hace en The good girl o en Cómo acabar con tu jefe. Desgraciadamente este tipo de trabajos en los que participa son mínimos: debería elegir mejor sus proyectos, aunque entonces es posible que ganara menos dinero…igual que la mencionada Whoopi Goldberg, otra que tampoco sabe elegir sus trabajos… o puede que a ambas les guste trabajar en este tipo de películas ¿quién sabe?

Vayan sacando pañuelos.

Antes siquiera de concebir una película como la que ahora nos importa, alguna de las cabezas pensantes del mundillo cinematográfico debería preguntarse hasta qué punto querrá el espectador que le endosen un producto hecho únicamente para que llore como un descosido en una sala ¿llena? de desconocidos. Porque por mucho que, seguramente, los creadores de “La decisión de Anne” se escuden en los valores positivos que se extraen de su argumento, de la superación de una tragedia vía núcleo familiar o demás, tales argumentos son meras cortinas de humo para una película pensada únicamente para inundar retinas, emborronar vista y sorber con la nariz.

Con esta estructura y a base de saltos temporales, “My Sister’s Keeper” narra la evolución en la vida de una familia asolada por la enfermedad de uno de sus miembros. Por más que intente mantenerse unida, positiva y fuerte, queda claro que la leucemia de la niña no tarda en hacer mella, quebrando corazones y tensando situaciones, como constata esa decisión de la hermana menor por dejar de asistir a la mayor (aun a sabiendas de que con ello la está condenando a morir).

Huelga decir que cada uno vive de manera distinta tan situación, del mismo modo que la misma provoca una inusitada unión familiar tan fuerte en apariencia como débil en su estructura básica, fruto de una madre que prácticamente se desentiende de sus hijos sanos, un padre que intenta mantenerse tan racional como distante, y una triada de infantes con problemas propios de la desatención paternal.

En medio de todo ello, también desmenuzamos a nuestro pesar la vida de la niña enferma, desde los primeros indicios de su enfermedad y pasando por el entrañable (léase lacrimógena) despertar de la pasión con otro enfermo de cáncer, interpretado por Thomas Dekker (el John Connor de la fallida serie “Las crónicas de Sarah Connor”).

Por si eso no bastara para sacrificar cualquier alegría anímica que el espectador pudiera retener antes de entrar a la sala, queda por conocer a los secundarios más relevantes para la trama, que también han sido tocados por la varita de las desgracias en un ejemplo claro del afán oportunista de la película.

 

 

Y es que por si aún quedaba alguna duda, esa es la característica que mejor define a “La decisión de Anne”. Plagada de trampas, resoluciones resultonas y golpes de efecto directos al conducto lagrimal, la propuesta de Cassavettes prefiere echar por tierra la seriedad a la que parecía apuntar su ritmo pausado en pros de un concienzudo análisis de la situación. Todo vale, con tal de que su público llore desconsolado.

Bien, no seré yo el que juzgue la licitud de tal decisión, pues aunque hubiera preferido esa vía sobria y estudiada, propia de las buenas películas, no puedo negar que su objetivo fue alcanzado sobradamente, al provocar en un servidor la llorera más excesiva que recuerda en el cine. Y por supuesto, la cosa puede variar en función de la proximidad de cada uno con lo narrado en pantalla, así que allá vosotros y vuestra voluntad de hundiros en la miseria emocional. Por cierto, Abigail Breslin, lo mejor de la película.”

 

Gracias a Capitán Spaulding por su crítica: http://www.lacasadeloshorrores.com/2010/01/critica-de-la-decision-de-anne-por-el.html

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.muchocine.net/criticas/10980/La-decisi%C3%B3n-de-anne

http://www.cinematical.es/2010/01/12/critica-la-decision-de-anne/

http://www.fotogramas.es/Peliculas/La-decision-de-Anne/Critica

Ana dice: Padres americanos con dos hijos, de los cuales uno de ellos tiene cáncer en estado terminal y la única opción que le recomienda el médico es que tengan otro hijo para que éste le done un riñón. Tienen a la niña (Anne), pero cuando se tiene que hacer la donación la niña demanda a los padres por obligarle a hacerlo.

En fin, dramón típico de telecinco al mediodía (esta vez basado en un libro, en vez de en hecho reales) para hincharte a llorar. Sensiblero, ñoño, …

“Harold Ramis lleva ya tiempo escribiendo comedias, y su carrera ha tomado varias direcciones diferentes. Con su trabajo en el guión de Cazafantasmas y su intepretación del doctor Eron Spengler se las arregló para dejarle espacio suficiente a Bill Murray para que se luciese dentro de los confines de un taquillazo de verano lleno de efectos especiales. Con la meticulosidad y la artesanía del ya clásico El día de la marmota podría decirse que consiguió escribir una película casi perfecta, y luego vinieron Una terapia peligrosa y su secuela, que dependían demasiado de la trama para resultar graciosas.

Ahora nos llega su nueva película, y la última hasta la fecha, Año uno, que está más cercana al espíritu de su debut como director, Caddyshack, y no porque sea tan divertida ni tan brillante, pero tiene el mismo tipo de humor. No se preocupa demasiado del argumento ni de dibujar a sus personajes, ni tampoco del rigor histórico; es un poco floja y descuidada, pero igualmente despreocupada, y tiene la habilidad de hacer que bajes la guardia y te rías de sus tonterías.

Jack Black es Zed, un cazador bastante inepto de una tribu primitiva. Su mejor amigo es Oh (Michael Cera), que lleva toda la vida soportando bromas sobre su femineidad. Zed está enamorado de Maya (June Diane Raphael) y Oh de Eema (Juno Temple), pero ninguno de los dos tiene gran cosa que ofrecerles a las chicas. Así que cuando Zed come el fruto del árbol prohibido y tiene que irse, Oh se va con él -y Zed se cree que ha sido “elegido”. En su primera parada conocen a dos hermanos que discuten constantemente, Cain y Abel (David Cross y Paul Rudd), y ven como Cain aporrea a su hermano hasta matarlo. Se convierten en fugitivos, luego en esclavos, escapan, se encuentran con Abraham y evitan que sacrifique a su hijo, y terminan en la ciudad de pecado, Sodoma, para rescatar a las chicas.

Año uno comienza con unos minutos super serios en plan Apocalypto, con las tribus de cazadores acechando a su presa en la selva, antes de que aparezca el personaje de Zed y establezca el tono general de la película. Básicamente, todos hablan el mismo idioma, en una versión absolutamente contemporánea en la que se permiten palabrotas y expresiones de slang, y también hay referencias a inventos de la era moderna. El objetivo de todo esto es que los dos muchachos maduren y sean capaces de conquistar a sus amadas, pero la película no nos deja parar de reirnos en todo este recorrido. Se incluyen chistes escatológicos y sobre los órganos genitales masculinos de lo más típico que hacen poca gracia, y se han eliminado los chistes sexuales para poder llegar a más pantallas en Estados Unidos.

Y la razón por la que sí funcionan la mayor parte de los gags es Jack Black. Como le sucedía a Murray en Cazafantasmas o a Will Ferrell en sus mejores películas, Black ha descubierto la manera de que parezca que improvisa sus líneas de guión a su manera, y esa manera es algo difícil de definir: es chulo y seguro, pero ni arrogante ni autoritario. Es incompetente, pero sin llegar a ser inútil. No para de hablar, pero no resulta molesto. Sus momentos más divertidos parecen tanto la creación de un entusiasta niño de diez años como de un ingenioso guionista. Parece como si muchos otros actores cómicos estuvieran intentando imitar el estilo de Jack Black, pero ninguno llega a lograrlo.

Sin embargo, en Año uno, Black está rodeado de otros muchos actores bastante comententes: Michael cera tiene un aire parecido, aunque es más dulce y tranquilo, y se convierte en su pareja ideal. Ramis hace del padre de Cain y Abel, Adán, y Hank Azaria -que parece capaz de imitar cualquier acento o cualquier voz- es Abraham, un obseso con circuncidar a todos los hombres. Oliver Platt está muy gracioso en su papel de sacerdote lujurioso y afeminado, y Cross construye un Cain bastante llamativo. También está el gran Vinnie Jones, que hace de guarda de seguridad de un estadio de fútbol. Y para redondear el pedigrí de esta comedia tenemos a otrso dos guionistas, Gene Stupnitsky y Lee Eisenberg, y a Judd Apatow de productor.

Al final, la película se cierra con un bloque de tomas falsas, que nos dejan ver lo bien que se lo pasaron rodando, y que nos hacen seguir riéndonos otro rato.”

Gracias a Ruth Arias por su crítica: http://www.cinematical.es/2009/08/26/critica-ano-uno/

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http://www.cinematical.es/2009/08/26/critica-ano-uno/

http://www.notasdecine.es/13188/criticas/critica-ano-uno/

http://www.tublogdecine.es/criticas/ano-uno-2009/12279

Ana dice: En fin, ¿qué deciros? La típica americanada sin argumento, con chistes fáciles, en realidad una sucesión de gags facilones de los que, algunos, logran arrancarte una sonrisa (incluso conozco a gente que se ha muerto de la risa con toda la película…).

Bueno, sólo hay que ver la filmografía como director de Harold Ramis para saber lo que te espera…salvando a Atrapado en el tiempo, que no me puedo creer que sea del mismo.

“Ni se os ocurra ir a ver Julie y Julia con el estómago vacío. De hecho es mejor que comáis algo antes de ir al cine, lo de las palomitas no se vale en este caso, y que tengáis una reserva en un buen restaurante para cenar después de la peli. De no hacerlo así, os arriesgáis a iros a casa con un poco de insatisfacción.

Insatisfacción que no tendrá nada que ver con la calidad de la película. De hecho, Julie y Julia es para mi gusto uno de los mejores guiones que nos ha dado Nora Ephron en los últimos años, tal vez incluso desde Cuando Harry encontró a Sally. Y Ephron ha sabido dirigir esta película, sobre las vidas paralelas de dos mujeres, con el mismo acierto que la ha escrito.

En el film, la siempre genial Meryl Streep interpreta a Julia Child, un personaje real de la vida televisiva y culinaria estadounidense. Child se mudó con su marido a París poco después de la Segunda Guerra Mundial y literalmente aprendió a cocinar en la capital francesa. Se inscribió en la prestigiosa escuela de cocina Le Cordon Bleu y aprendió en ella todos los secretos de la cuisine. Su trabajo posterior incluiría la escritura de varios libros para presentar la cultura gastronómica francesa a los estadounidenses. Child acabaría también teniendo un espacio de cocina televisivo. Pero para el film, Ephron ha preferido escoger la etapa en la que la escritora está todavía luchando por encontrar un camino profesional en la vida.

Exactamente el mismo punto en el que Ephron explica simultáneamente la historia de Julie Powell, interpretada por Amy Adams y basada también en un personaje real. Powell es una oficinista con un trabajo poco interesante y un pasado como escritora frustrada. En 2002 Powell decide escribir un blog sobre sus aventuras cocinando las 524 recetas que contiene el primer libro escrito por Child y se propone conseguir esta hazaña en tan sólo un año.

El film es una oda al optimismo y al afán de superación que expone la vida de estas mujeres tan diferentes, pero a menudo tan parecidas. Julie y Julia, además de un sinfín interminable de platos cocinados por las protagonistas, nos deja ver algunos de los momentos más vulnerables en las vidas de estas dos mujeres y el apoyo que obtuvieron de sus maridos (que no sólo estuvieron junto a ellas en todo momento, sino que además no dejaron ni una migaja de lo que les ponían para comer).

De ahí lo de la insatisfacción que os puede provocar Julie y Julia por el hecho de no tener un plato bien cocinado delante y una persona o dos o tres o cuatro con las que conversar cuando disfrutáis de la comida. Y por eso lo de la imperativa reserva en un buen restaurante para después de la peli.”

Gracias a Patricia Puentes por su crítica: http://www.cinematical.es/2009/08/05/critica-julie-y-julia-da-mucha-hambre/

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.notasdecine.es/17175/criticas/critica-julie-y-julia/

http://albertodemasiadocine.blogspot.com/2009/11/critica-julie-y-julia.html

http://www.estrenosdecine.net/criticas/2253/

Ana dice: No estamos delante de un peliculón, no son de esas películas que eres capaz de verla 20 veces. Es, simplemente, una americanada como tantas con la salvedad de que Meryl Streep y Amy Adams hacen un excelente trabajo, pero, por lo demás, nada del otro mundo. Eso sí: te entran unas ganas tremendas de vivir en Estados Unidos y tener una de esas fantásticas y maravillosas cocinas megagrandes….eso, y unas ganas de comer como para poner 10 kgs. de golpe.

Entretenida, se deja ver arrancándote alguna sonrisa.

Por cierto, está basada en hechos reales.

“La verdad es que era difícil afrontar este tema: nada menos que una relación amorosa, por qué no sexual, entre un joven afectado por el síndrome de Down y una chica sin esa discapacidad. Entre los escasos tabúes que van quedando (es cierto que vamos creando otros, y qué tabúes, tan estúpidos), el del sexo entre personas discapaces y “normales” (llamémosle así, a falta de una mejor definición) sigue siéndolo con todas sus consecuencias. Así que hacer un filme que gira precisamente sobre esta temática amorosa y sexual era complicado. Debía mantenerse un equilibrio entre contar una historia que no es ajena a la realidad, con naturalidad, pero sin caer en sentimentalismos ni excesos.

El hecho de que uno de los directores tenga un familiar aquejado por el SD (acrónimo de síndrome de Down) sin duda habrá ayudado a alcanzar este difícil equilibrio. Es cierto que ambos directores, Pastor y Naharro, veteranos cortometrajistas, no aparentan ser neófitos en el largometraje de ficción, y mantienen un ritmo narrativo adecuado, combinando con buena mano la historia principal y la secundaria, tan hilvanada a la primera, una subhistoria de igual calado y significación, casi un “Romeo y Julieta” en clave SD.
Los directores han optado por un tono naturalista, casi documental, rodando generalmente cámara en mano, con una fotografía de fuerte grano y cierto toque feísta, probablemente para hacer más creíble su historia, la de un chico Down con carrera universitaria, andaluz y con un caletre que dejaría en evidencia a muchísimas personas sin el cromosoma de más que caracteriza a los SD, en una ficción en la que se adivina mucho material biográfico del propio protagonista, Pablo Pineda, merecidamente galardonado con la Concha de Plata a la Mejor Interpretación en el Festival de Cine de San Sebastián. Se suele decir de algunos actores que, sin ellos, la película no sería la misma; en este caso lo que ocurriría, literalmente, es que no existiría.

Hay escenas magníficas: el protagonista golpeando la puerta del prostíbulo, invocando con ansiedad, pero también con dignidad, su condición de hombre, aunque tenga 47 cromosomas; la madre del chico Down llorando y pidiéndole perdón por haberse esforzado tanto en hacerle inteligente y, con ello, tan consciente de la falta de afecto sexual que le acompañará hasta el final de sus días; el personaje de Lola Dueñas y el de Pablo Pineda, en el ascensor, haciendo el tonto y, con ello, escandalizando a la típica (y tópica, es verdad) pareja madurita biempensante…
Fresca y sincera, cinematográficamente sencilla (aunque con algunos dijes notables: véase la mano de Dueñas, tras el distanciamiento del chico Down, apoyándose en la fotocopia de la mano de él), percutante socialmente, “Yo, también” es una película necesaria, de ésas que podrían llamarse, no sin razón, como servicio público, sin que por ello sea la habitual postalita auspiciada por el poder político.
Una apostilla a modo de estrambote ortográfico: ¿qué pinta esa coma entre “Yo” y “también”? ¿Por qué el título no es, como debería ser, “Yo también”, sin coma alguna? Daniel, el personaje central de la historia, defiende con ello su carácter de ser humano, de hombre, y no hay coma alguna posible entre los dos términos de su afirmación: “Yo también soy un hombre”, dice, no “yo, también, soy un hombre”. No sé si será un resabio logsiano, porque los directores y guionistas tienen edad como para haber sido educados con anterioridad, pero en cualquier caso es un disparate que ha llegado hasta el mismísimo título. Pasará desapercibido, pero, quiérase o no, es una patada al diccionario. Porque escribir bien no es sólo cuestión de palabras ni de tildes, sino también de una correcta puntuación.”

Gracias a Enrique Colmena por su crítica: http://www.criticalia.com/pelicula/yo-tambien/2086

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.notasdecine.es/15810/criticas/critica-yo-tambien/

http://www.cine.fanzinedigital.com/5411_1-Yo_tambien.html

http://cine.terra.es/criticas/Yo-tambien/verFicha_1572.htm

Enrique dice: No quiero parecer dramático, ni antipático, ni intolerante. No quiero parecer un adalid de las buenas formas ni políticamente correcto, tampoco. Pero a mí no me agradó esta película porque uno de sus objetivos (ya el tema invita a ello) es alcanzar grandes dosis de realismo y no me parece muy realista, por ejemplo, que un síndrome de Down profundo tenga una personalidad tan avanzada como el chico de la película, ni que se trate de una manera tan “natural” y “despreocupada”, u “optimista” el retraso mental, porque la realidad social es otra, muy diferente (medicación, tratamientos, marginación, etc…). Desgraciadamente, es otra, porque vivimos en un país que a veces parece que no tuviera entrañas, pero eso no sale en la peli. Por lo demás, es simpatiquísimo el protagonista, y el hilo argumental entretenido, pero la emotividad (perseguida con descaro) no la encuentro. O sea, que ni drama, ni comedia, ni “ná de ná”. A mí no me gustó.

“François termina su café con expresión preocupada. Entra con aprensión en el recinto donde va iniciar en apenas unos minutos su temporada laboral. Intercambia nerviosamente con sus colegas apreciaciones insólitas sobre las personas que habrán de tratar a lo largo del año: “Éste es simpático… ésta no es nada simpática… con aquél ten cuidado”. Cualquiera pensaría que François y sus compañeros trabajan como funcionarios de prisiones o celadores en un psiquiátrico. Pero son profesores. Claro que en un instituto del siglo XXI.

Aún en mayor grado que Gomorra, La clase aspira a que el espectador no pueda diferenciar entre los aspectos creativos achacables a la pura realidad y los propios de la mejor ficción: el director Laurent Cantet, que ya había explorado los mecanismos sociales que conforman nuestro presente en las muy recomendables Recursos Humanos (1999) y El Empleo del Tiempo (2001), se inspira en esta ocasión en el libro autobiográfico de un profesional de la enseñanza, François Bégaudeau. Bégaudeau ha intervenido también en el guión junto a Cantet y Robin Campillo y, además, se interpreta a sí mismo en pantalla, aunque mediatizado por una estructura dramática en la que caben, pese a todo, improvisaciones: tanto las suyas, como las de los jóvenes a quienes imparte lengua en la ficción; jóvenes que en algunos casos ostentan sus nombres verdaderos…

A que tan complejo entramado expresivo, que barre con las distinciones entre documental y recreación, alcance el máximo nivel de verosimilitud, contribuye la filmación en un instituto parisino con tres cámaras de alta definición, que multiplican los puntos de vista en las clases de François y propician una sensación de gran inmediatez. Cantet hace así del aula donde transcurrirá buena parte del metraje (título original, “Entre les murs”: Intramuros) un microuniverso; un espacio dialéctico a la vez concreto y abstracto donde tienen la oportunidad de saltar a la tarima los retos que debe gestionar hoy por hoy Francia, o cualesquiera otras sociedades de nuestro entorno mediatizadas por lo multicultural y la desestructuración. Adquieren especial relevancia el hecho de que la asignatura que imparte François sea, como ya se ha dicho, lengua —con lo que ello implica en cuanto a (in)comunicación entre profesor y alumnos—, y que se cite “La República” de Platón —guiño al estatus político del país galo y a las doctrinas socráticas sobre la instrucción ideal de los seres humanos—.

Pero, ¿qué puede concluirse de las polémicas anécdotas que jalonan el curso académico abarcado por La clase? ¿Qué pensar de los enfrentamientos del desorientado François con su monstruoso alumnado? Cantet, como el director de Gomorra, Matteo Garrone, afirma que su misión no es brindar explicaciones. Mucho menos soluciones. ¿Basta entonces con el retrato de un ámbito en el que reinan la falta de autoridad y confianza entre los docentes, y la indisciplina y la mala fe entre los alumnos? El problema de inmersiones en la realidad tan profundas como la de La clase es que terminan por adoptar como propios los postulados arbitrarios, indiferentes y posibilistas que rigen aquella.

Si, como obra de arte (y, sin duda, La clase lo es) la película no tiene la ambición de extraer el sentido secreto y comprometedor de cuanto refleja, ¿cuál es su función? ¿Servir como objeto de debate en foros públicos tan prestigiosos como estériles? En un momento del film, François es acusado por otro profesor de querer comprar con su talante relativista y conciliador “la paz social”. Otro tanto podría decirse de La clase, hábil para plantear muchas preguntas “necesarias” que le den crédito frente a las autoridades que han subvencionado su existencia, pero cobarde o incapaz de apuntar ninguna respuesta que censure sin medias tintas sus políticas o las irresponsabilidades de los individuos. De los votantes. Y la chiquilla que en uno de los últimos planos de la película confiesa aterrorizada a François que no ha aprendido nada, que no sabe qué hace en el instituto, necesita algo más que dialéctica. Su futuro, su vida, están en juego.

Estas reservas, como la constatación de que las estrategias formales de Cantet llegan a ser reiterativas y a agotar, no deberían despistar al espectador sobre las calidades globales de La clase, una magnífica película que engrosa el largo listado de títulos franceses sobre la educación que han enriquecido el acervo sociocultural de aquel país, dejando bien claro su vitalidad. Las comparaciones, una vez más, con lo que sucede en el cine español, son sangrantes.

Lo mejor: La extraordinaria calidad de todos sus aspectos técnicos. Como cine, ‘La Clase’ no tiene desperdicio.

Lo peor: Su ambigüedad o cobardía a la hora de hacer algo más que describir con precisión una coyuntura determinada.”

Gracias a Diego Salgado por su crítica: http://www.cine.fanzinedigital.com/4285_1-La_clase.html

Para conocer algunas críticas más pinchen en los siguientes enlaces:

http://www.cinematical.es/2009/01/15/critica-la-clase/

http://www.muchocine.net/criticas/8829/La-clase

http://www.blogdecine.com/criticas/la-clase-la-carcel-de-la-ignorancia

Ana dice: A mí me pareció la típica americanada de profesor novedoso en colegio con alumnos conflictivos con los que nunca ningún profesor tuvo éxito hasta que llegó él/ella y consigue transformarlos en excelentes personas, descubriéndose que, en el fondo, eran muy buenos niños (véase “Mentes peligrosas” o “Sister act 2. De vuelta al convento” por poner un par de ejemplos).

La única diferencia que le veo al compararla con el resto de películas de la misma temática es que, en “La clase”, el profesor no consigue nada, los niños continúan siendo como eran: problemáticos.

Lo que me gustó a mí de la película es la manera de rodarla tipo documental, se veía muy real, muy auténtica; pero, por otra parte, la historia me pareció vacía, no me dice nada, lo veo como si me grabaran a mí un día en el trabajo haciendo lo que hago: para mí puede que sea interesante, pero, desde luego que, al resto de la gente no le interesaría nada.